Venise fascine depuis toujours les artistes. Ville-miroir, ville-labyrinthe, décor de fiction autant que réalité tangible, elle semble suspendue entre mémoire et imaginaire. C’est dans ce cadre singulier que s’est tenu récemment le festival Venezia Photo, rendez-vous international dédié à la photographie contemporaine, réunissant photographes, éditeurs, curateurs et grands noms de l’image venus du monde entier.

Participer à un tel événement ne relève pas simplement du voyage photographique ou de la parenthèse inspirante. Pour un photographe professionnel, intégrer un stage de perfectionnement dans un festival de cette envergure constitue une étape importante dans un parcours artistique.

C’est dans ce contexte que j’ai eu l’opportunité d’être sélectionné pour participer à l’un des workshops proposés par le festival : « Venise entre réalité et fiction », animé par Jean-Christophe Béchet.

Photographier Venise autrement

Photographier Venise est presque un paradoxe. Tout semble y avoir déjà été vu, cadré, publié, sublimé. Les canaux, les ponts, les façades patinées, les brumes matinales et les silhouettes flottantes appartiennent déjà à un imaginaire collectif saturé d’images. Alors comment produire une photographie personnelle dans un lieu autant documenté ? C’est précisément l’enjeu du workshop proposé par Jean-Christophe Béchet : dépasser la carte postale pour entrer dans une lecture plus intime, plus narrative, presque mentale de la ville.

Inspiré par l’univers de Corto Maltese et plus particulièrement par La Fable de Venise, ce stage invitait à explorer une Venise ambiguë, mystérieuse, située à la frontière entre observation documentaire et projection fictionnelle. Le travail a été mené principalement en noir et blanc. Ce choix esthétique n’est pas anodin : débarrassée de ses couleurs touristiques, Venise change de nature. Les contrastes deviennent plus graphiques, les textures plus présentes, les jeux d’ombres plus narratifs. Le noir et blanc permet de simplifier l’image tout en densifiant son pouvoir d’évocation. On ne photographie plus seulement un lieu ; on tente de capter une atmosphère.

Le workshop : un laboratoire créatif

Contrairement à certaines idées reçues, suivre un stage lorsqu’on est déjà photographe professionnel n’a rien d’un retour “à l’école”. Un workshop n’est pas un espace où l’on vient apprendre des bases techniques déjà acquises. C’est un laboratoire. On y confronte sa pratique à un regard extérieur exigeant. On accepte de sortir de ses automatismes, de ses réflexes visuels, parfois même de ses certitudes.

Avec les années, tout photographe développe naturellement des habitudes :

• certaines focales favorites ;
• des compositions récurrentes ;
• une manière familière de traiter la lumière ;
• des thématiques de prédilection.

Ces habitudes constituent une signature… mais peuvent aussi devenir une zone de confort. Participer à un workshop permet précisément de créer une rupture.

Un mentor comme Jean-Christophe Béchet apporte un regard critique, capable d’identifier ce qui fonctionne, ce qui se répète, ce qui pourrait être poussé plus loin. Il ne s’agit pas seulement de faire “de meilleures photos”, mais de clarifier une intention. Pourquoi déclenche-t-on ici et pas ailleurs ?
Que cherche-t-on vraiment à raconter ? Qu’est-ce qui, dans une image, relève du style ou de la nécessité ? Ces questions sont fondamentales dans l’évolution d’un photographe.

Rencontrer les autres pour mieux définir sa propre voie

Un festival comme Venezia Photo offre également quelque chose d’essentiel : la rencontre. La photographie peut être un métier profondément solitaire. Entre prises de vue, editing, postproduction, archivage et diffusion, le photographe travaille souvent seul face à ses choix. Participer à un événement international permet de réintroduire du collectif dans une pratique individuelle.

Échanger avec d’autres photographes venus d’horizons différents permet de découvrir d’autres approches, d’autres méthodes de travail, d’autres sensibilités. Ces rencontres nourrissent autant que les prises de vue elles-mêmes. Lors de cette édition, le festival a également permis des échanges inspirants avec des figures majeures de la photographie contemporaine comme Steve McCurry ou Reza Deghati.

Croiser des photographes dont le travail a marqué plusieurs générations rappelle une chose essentielle : même au plus haut niveau, la curiosité reste intacte. Les grands photographes ne cessent jamais de regarder, d’expérimenter, de questionner leur pratique.

Pourquoi un photographe doit toujours continuer à apprendre

Dans l’imaginaire collectif, on imagine parfois qu’un photographe “arrive” à un moment donné : diplôme, premières publications, premières expositions, puis maîtrise acquise. La réalité est tout autre. La photographie est un médium vivant.

Les technologies évoluent sans cesse : nouveaux capteurs, nouvelles logiques de diffusion, mutation des usages numériques, montée en puissance de l’intelligence artificielle, nouvelles attentes des clients, nouveaux formats narratifs. Mais au-delà de la technique, c’est surtout le regard qui doit continuer à évoluer.

Un photographe qui cesse d’apprendre prend le risque de se répéter. Continuer à se former, c’est :

• nourrir sa créativité ;
• renouveler son langage visuel ;
• approfondir sa culture photographique ;
• enrichir sa démarche artistique.

Apprendre ne signifie pas ne pas savoir. Au contraire : plus on avance dans une discipline, plus on mesure l’étendue de ce qu’il reste à explorer. C’est probablement l’un des traits communs à tous les artistes durables.

Se former pour mieux transmettre

Ces expériences de workshop ont également une autre vertu : elles nourrissent ensuite la transmission. Chaque stage, chaque résidence, chaque rencontre enrichit non seulement la pratique personnelle, mais aussi la capacité à accompagner d’autres regards. Car apprendre affine l’exigence, structure la pensée visuelle et permet de mieux formuler ce qui, parfois, relevait jusque-là de l’intuition.

Photographier, c’est regarder. Mais apprendre à photographier, encore et toujours, c’est apprendre à regarder autrement. Et peut-être est-ce là l’essence même du métier. Venise, entre réalité et fiction, n’aura finalement été qu’un décor idéal pour rappeler cette évidence : en photographie comme ailleurs, on n’a jamais fini d’apprendre.

Ce que ces expériences apportent aussi à mes propres accompagnements

Participer à des workshops internationaux nourrit évidemment ma pratique personnelle, mais ces expériences enrichissent également ma manière d’accompagner d’autres photographes et voyageurs dans leur propre regard. Chaque immersion, chaque échange avec des auteurs confirmés, chaque confrontation critique affine ma façon de penser l’image et de raconter un territoire.

C’est cette exigence que je cherche ensuite à transmettre à travers mes propres propositions : accompagnements photographiques, voyages, échanges autour du regard, de la composition et de la narration visuelle. Car apprendre à photographier ne consiste pas uniquement à maîtriser un appareil ou des réglages techniques. Il s’agit surtout d’apprendre à observer, ralentir, construire une intention et donner du sens à une image.

Ces expériences vécues sur le terrain, en France comme à l’étranger, viennent nourrir cette approche et enrichir chaque future transmission.

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On offre souvent par réflexe. Un objet utile, un bijou, un parfum. Des cadeaux qui font plaisir, sur le moment, mais qui finissent parfois par s’effacer dans le quotidien.
Offrir une photographie d’art, c’est faire un autre choix. Celui d’offrir un regard.

Une photographie n’est pas un objet que l’on consomme. Elle ne s’use pas, ne se range pas dans un tiroir, ne se démode pas. Elle s’installe dans un espace et s’inscrit dans le temps. Elle accompagne ceux qui la regardent, jour après jour.

Un cadeau que l’on habite

Vivre avec une photographie, c’est apprendre à la regarder différemment selon les moments.
La lumière change, le regard aussi. Un détail apparaît, puis disparaît. Une image que l’on croyait connaître se révèle autrement, au fil des jours et des saisons.

Contrairement à un objet décoratif, une photographie d’art ne cherche pas à remplir un espace. Elle dialogue avec lui. Elle crée une présence discrète, parfois silencieuse, mais toujours active. Elle devient un point d’ancrage.

La valeur d’un regard

Offrir une photographie d’auteur, c’est aussi reconnaître le temps du regard. Derrière chaque image, il y a une attention portée à la lumière, à la composition, à l’instant. Il y a des heures de marche, d’observation, d’attente. Des lieux traversés sans précipitation.

Cette valeur n’est pas seulement matérielle. Elle est sensible. Elle tient dans le geste de choisir une image plutôt qu’une autre, dans la confiance accordée à un regard extérieur pour entrer dans son propre espace intime.

Un cadeau en écho

Une photographie ne raconte pas une histoire fermée. Elle laisse place à l’interprétation.
C’est ce qui en fait un cadeau profondément personnel.

Offrir une photographie, c’est dire : J’ai pris le temps de regarder. J’ai pensé à toi. J’ai choisi une image qui pourrait résonner avec ton univers. Sans discours, sans justification, l’image fait le lien.

Une œuvre qui traverse le temps

À la différence de nombreux cadeaux, une photographie ne vieillit pas. Elle s’inscrit dans la durée.
Elle accompagne les changements de vie, les déménagements, les nouvelles étapes. Elle reste, même lorsque tout bouge autour.

Tirée en nombre limité, signée, pensée comme une œuvre à part entière, la photographie d’art porte aussi une dimension de transmission. Elle peut être offerte aujourd’hui, regardée demain, conservée longtemps.

Offrir autrement

Que ce soit pour la Saint-Valentin, un anniversaire, une naissance ou simplement pour le plaisir d’offrir, choisir une photographie d’art, c’est faire le choix d’un cadeau différent.
Un cadeau qui ne s’impose pas, mais qui accompagne.
Un cadeau qui ne se consomme pas, mais qui se partage dans le temps.

Offrir une photographie, c’est offrir une manière de regarder le monde.

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J’ai le plaisir de vous annoncer que mon exposition Le jardin japonais au fil des saisons sera présentée lors du festival Japan Touch – Lyon, 26e édition, dans l’espace Japon Traditionnel.
À travers cette série, je vous invite à parcourir les jardins nippons au rythme des saisons : lignes épurées, jeux de textures, contrastes, lumière changeante… un univers où la contemplation devient un art de vivre.
J’espère avoir le plaisir de vous y accueillir le temps d’un week-end entièrement dédié à la culture japonaise.

Pour en savoir plus, consultez le site de l’événement : https://www.japan-touch.com/lyon/

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J’ai la joie de vous annoncer que je présenterai du 12 novembre au 20 décembre 2025 à la galerie-librairie Impressions (17 rue Meslay, Paris 3ᵉ) ma série « Paysages de jardins : autour de l’œuvre de Mirei Shigemori ».

À travers ces photographies en noir et blanc, j’explore l’univers du maître paysagiste japonais Mirei Shigemori, dont la vision moderne du jardin m’inspire depuis longtemps.
Lignes, contrastes et silence composent ici un hommage à l’esprit du zen.

📅 Vernissage le 5 décembre 2025 à partir de 19h.

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Du 3 au 10 novembre, je présenterai deux expositions dans le cadre du festival Pau vit à l’heure japonaise, offrant ainsi un double regard sur l’art du jardin au Japon.

Aux Halles de Pau, l’exposition « Paysages de jardins » rendra hommage à Shigemori Mirei, maître visionnaire du jardin japonais moderne. À travers une série d’images en noir et blanc, j’y explore la relation entre structure, espace et spiritualité, au cœur de la pensée de Shigemori.

Sur la place du Foirail, « Les jardins du Japon au fil des saisons » invitera à une immersion visuelle dans l’évolution végétale et symbolique des jardins traditionnels. De la rigueur hivernale à l’épanouissement printanier, chaque cliché capte l’essence d’un paysage vivant et changeant, reflet du lien profond entre nature et contemplation.

Ces deux expositions complémentaires révèlent comment le jardin japonais est autant une architecture qu’un espace intérieur.

Pour en savoir plus, consultez le site Pau.fr.

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Du 1ᵉʳ octobre au 3 novembre 2025, j’expose au Dojo Zen de Paris une série en noir et blanc consacrée aux jardins japonais, autour de l’œuvre de Mirei Shigemori.
Ces images, réalisées dans différents lieux au Japon, explorent lignes, courbes et formes géométriques : un langage visuel où le minéral, la mousse et le vide dessinent la contemplation.

Vernissage : samedi 25 octobre, 18 h 30 → 20 h 30.

Infos pratiques : accès libre, du mardi au vendredi, 15 h → 18 h.
Lieu : Dojo Zen de Paris — 175 rue de Tolbiac, Paris 13ᵉ.

Informations : https://dojozenparis.com/

Venez découvrir “Paysages de jardins” et ce dialogue entre tradition et modernité, à hauteur de regard.

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Depuis le début deu mois d’avrl 2025, l’exposition « Regards sur les jardins du Japon » est installée à la Maison de l’Erdre, au cœur du jardin japonais de l’Île de Versailles (Nantes).

Avec l’architecte-photographe Clément Keller, nous proposons un voyage visuel à travers des jardins emblématiques du Japon, avec un focus sur Niigata (ville jumelée avec Nantes) et le château d’Osaka (lié au Château des ducs de Bretagne). Des bonsaïs sont également présentés dans la salle et dans le jardin sec du patio, et des associations animent le lieu (ikebana, papier, thé, haïkus, kamishibaï).

Dates & horaires — Du 5 avril au 2 novembre 2025. Entrée libre.
Ouvert mercredi 14h–18h, samedi & dimanche 10h–12h30 et 14h–18h ; ouvert en plus les mardis et vendredis 14h–18h pendant les vacances d’automne (20–31 octobre 2025).

Lieu : Île de Versailles, Nantes.

➡️ Infos pratiques détaillées (accès, transports, calendrier) à consulter ICI.

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Du 2 au 27 septembre 2025, j’expose à la Maison de la Culture du Japon à Paris une sélection de photographies consacrées aux grands types de jardins japonais : jardins paysagers, jardins de mousse, jardins zen, jardins de thé, jardins-lettrés et créations contemporaines.

L’ensemble invite à la contemplation… et à la connaissance, avec un clin d’œil au travail du paysagiste Mirei Shigemori, figure du renouveau du XXᵉ siècle.

Infos pratiques — Entrée libre, hall d’accueil (RDC), du mardi au samedi, 11h–19h. Maison de la culture du Japon à Paris

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Bonjour et bienvenue à toutes et à tous !

Si vous atterrissez ici, c’est que nous partageons sans doute la même envie : regarder le monde autrement, marcher hors des sentiers battus, comprendre ce que les images racontent — et parfois les prolonger par des mots.

Ce blog est mon carnet de route public : un espace où je croise photographie, voyages et écriture, avec une affection particulière pour le Japon… mais pas seulement.

Qui je suis — et ce que je fais ?

Je suis photographe, auteur, guide et professeur de FLE. Je voyage, j’écris, j’enseigne, j’accompagne des groupes, je conçois des itinéraires sur mesure. Mon terrain de jeu : les villes, les paysages, les jardins, les gestes du quotidien. Mon approche : patiente, curieuse, attentive aux détails qui disent l’essentiel — un rai de lumière, une respiration, une transition entre deux scènes. Ici, je partage mes images, mes coulisses, mes méthodes et mes récits.

Pourquoi ce blog ?

Parce qu’une photo ne s’arrête pas au cadre, et qu’un voyage ne se résume pas à une liste d’étapes. J’ai voulu un lieu vivant pour :

• raconter ce que mes séries veulent dire,
• montrer comment je construis une histoire visuelle,
• transmettre des conseils pratiques (préparer un voyage, choisir du matériel, gérer la lumière, éditer une série),
• ouvrir les portes de mes projets en cours (livres, expositions, voyages d’auteur, ateliers).

Ce que vous trouverez ici ?

Voyages. Des itinéraires, des rencontres, des notes terrain, des bonnes pratiques pour voyager autrement, au Japon et ailleurs. L’idée : vous donner des clés concrètes pour préparer votre propre aventure.

Carnets d’auteur. Passer des images aux mots : comment je transforme une série photo en chapitre, comment je travaille le rythme, les transitions, la voix. Ce sont mes carnets de bord et mes méthodes d’écriture, sans tricher.

Mystères du FLE. J’enseigne le français à l’étranger ; je partage ici des ressources, des anecdotes de terrain et des outils pour mieux transmettre une langue… et une culture.

Regard de photographe. Technique, éditing, séquençage, tirages, choix du papier, préparation d’une expo : je vous emmène en coulisses pour comprendre comment une image isolée devient une histoire.

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Merci d’être là. J’espère que ce blog vous donnera envie de prendre la route, d’ouvrir un carnet — et de laisser les images vous parler.

À très vite sur la route.

Frédéric SOREAU

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